"Черно-белый Аршакуни". Галерея "Голубая гостиная" Союза художников

Серия иллюстраций к произведению А.Адамовича "Хатынская повесть". 1979. Литография.

О выставке Марии Старец

Рецензия на выставку М.Старец, которая проходила в Выставочном зале Санкт-Петербургского Союза художников России с 21.02 по 21.032017 года.
В применении к работам Марии Старец слово «живопись» - это не только вид искусства, в котором работает художник, но и обозначение самой сути ее творчества.

Она работает в разных жанрах, но подавляющее большинство ее работ – пейзажи. Уже в приверженности этому жанру заложена тяга к разнообразию – в природе не бывает одинаковых состояний.
Она пишет везде, где ей случается оказаться, а диапазон ее путешествий достаточно широк. Но конкретный мотив не самоцель, хотя он всегда узнаваем. И все же он только импульс, побуждение к творчеству, первый шаг к созданию новой реальности, в которой море и горы, фасады и крыши, облака и ветви деревьев, цвет и свет создают нечто большее, чем портрет природы – создают настроение, эмоции, ощущение жизни.
В лучших традициях импрессионизма один и тот же сюжет может быть написан ею совершенно по-разному. На первый взгляд кажется, что она так спешит за впечатлением, что не успевает дописывать отдельные фрагменты холста. Но это ощущение несправедливо. Все в ее живописи не только продумано, но интуитивно выверено. Подобно тому, как человек бывает одарен абсолютным слухом, Мария обладает «абсолютным глазом» и чувством живописности. Это не просто увиденное, но глубоко пережитое впечатление, и кисть художника то скользит по холсту, то мощно лепит его пластическую фактуру, оставляет его поверхность нетронутой или набрасывает мазки легкими ударами. Эта фактурная откровенность позволяет словно следовать за процессом, затягивает, рождает сопереживание, превращает зрителя в соавтора.

«Север – это состояние души»

О выставке Юрия Васильевича Спиридонова в галерее «Голубая Гостиная» (Санкт-Петербургский Союз художников)

Нынешняя выставка Юрия Васильевича Спиридонова, неутомимого труженика и путешественника, многолетнего председателя Союза художников Республики Саха (Якутия), не первая в Санкт-Петербурге. Вместе со своими собратьями по Арктике он уже представлял свое искусство в Мраморном дворце Русского музея, залы которого, обращенные к торжественным просторам Невы и творениям великих зодчих, словно подчеркивали значимость этого акта. Нынешняя выставка проходит в Санкт-Петербургском Союзе художников, который не раз гостеприимно встречал представителей наших республик и зарубежных стран.

Это символично еще и потому, что уроженец дальнего северного якутского улуса органично вобрал в себя ощущения родной земли, значимость труда на ней, уважения к национальным, порою самым древним традициям, и воспринял его как своего рода священный завет. Надо заметить, что вообще художественное содружество якутских мастеров – одно из самых приметных в многомерном и разнообразном искусстве нашей Родины – по своей глубине, бережному отношению к артефактам, к извечному слиянию природы и человека, к непреходящей мудрости веков. Оно самобытно и впечатляюще, быть может, прежде всего, корневой связью с народными истоками, преданиями, удивительной фантазией, поэтическим наполнением и, конечно же, высоким художественным совершенством. В этом можно было убедиться на всесоюзных и всероссийских выставках, знакомясь с великолепной экспозицией творчества якутских мастеров, которая в свое время проходила в Петербургском ЦВЗ «Манеж».

Владислав Блинов

Начало двадцатого столетия открыло для русской живописи стихию раскрепощенной жизнеутверждающей энергии цвета. Константин Коровин, а вслед за ним и мастера объединения «Бубновый валет» утверждали в своих полотнах свободу живописного исполнения как эмоциональный автограф художника, воплощающего в энергичном прикосновении кисти восторженное любование многообразием мира. Быть может, здесь и раскрылась та особенность русского варианта французского импрессионизма и сезанновской системы, которая отдает предпочтение не аналитически-пристрастному, а интуитивному, стихийному переживанию натуры через цвет и форму.

Работы Владислава Блинова наделены именно такой созидательной энергетикой живописной манеры, которую он открывал для себя словно впервые, в каждой новой своей работе. Представленные на выставке натюрморты и пейзажи различаются мерой пластического обобщения – форма может наделяться повышенной экспрессией, создавая собственное живописно-эмоциональное пространство, или оставаться в границах, «заданных» объектом изображения. Так, гигантские тыквы, написанные столь же крупными, густыми сочными осязаемыми мазками, слово набухают на наших глазах и пытаются раздвинуть отведенное им пространство – а в «Натюрморте со снопом» оно, напротив, кажется разделенным на крупные ячейки, в которые «вложены» предметы крестьянского быта.

Так же разложены в ряд яблоки на скамейке – круглые формы даров природы образуют четкий и ясный ритмический рисунок, как бы утверждающий плоскость холста. А «Натюрморт со ступкой» наполнен музыкальными, громоподобными цветовыми аккордами. Здесь, в самом деле, можно говорить об удивительном даре художника – чувствовать мелодию цвета, как правило, праздничного, мажорного, или напряженного, заключающего в себе скрытый драматизм. Это ощутимо и в деревенских пейзажах художника, где и снеговые шапки, и кроны деревьев напоминают волны, всколыхнувшие поверхность холста.